道德经浮雕

⑴ 浮雕的特点

浮雕
在平面上雕出凸起的形象的一种雕塑。
所谓浮雕是雕塑与绘画结合的产物，用压缩的办法来处理对象，靠透视等因素来表现三维空间，并只供一面或两面观看。浮雕一般是附属在另一平面上的，因此在建筑上使用更多，用具器物上也经常可以看到。由于其压缩的特性，所占空间较小，所以适用于多种环境的装饰。近年来，它在城市美化环境中占了越来越重要的地位。浮雕在内容、形式和材质上与圆雕一样丰富多彩。

它主要有神龛式、高浮雕、浅浮雕、线刻、镂空式等几种形式。

我国古代的石窟雕塑可归结为神龛雕塑，根据造型手法的不同，又可分为写实性、装饰性和抽象性；

高浮雕是指压缩小，起伏大，接近圆雕，甚至半圆雕的一种形式，这种浮雕明暗对比强烈，视觉效果突出；

浅浮雕压缩大，起伏小，它既保持了一种建筑式的平面性，又具有一定的体量感和起伏感；

线刻是绘画与雕塑的结合，它靠光影产生，以光代笔，甚至有一些微妙的起伏，给人一种淡雅含蓄的感觉；

镂空雕是把所谓的浮雕的底板去掉，从而产生一种变化多端的负空间，并使负空间与正空间的轮廓线有一种相互转换的节奏。这种手法过去常用于门窗栏杆家具上，有的可供两面观赏。

现代浮雕从材质上说有：铜浮雕、石材浮雕、水泥浮雕等等，主要运用与建筑的墙体和比较大型的环境里，作为城市文化的一部分，浮雕已经越来越广地被运用。

⑵ 孔子浮雕为什么在美国最高法院门楣上

代表道德，是主建筑师吉尔伯特和艺术家麦克尼尔向东方文化独具匠心的的专致意。
在美国属联邦最高法院主楼后部，即法院东庭的门上（并非法院正门），三角门楣上协调排列着的16个各有含义的人 物，以摩西、孔子、梭伦为中心，正中的摩西代天意或神意，左边孔子代表道德，右边卢梭代表政治。
不论在东西方，道德都是法律的基础。

⑶ 关于浮雕涉及的历史知识有哪些

1：文艺复兴时期简介
文艺复兴时期是指14世纪到16世纪西欧与中欧国家在文化艺术发展史中的一个重要历史时期。它是继古希腊、罗马后的欧洲文化史上的第二个高峰。文艺复兴的原意是在古典规范的影响下，艺术与文学的复兴。其变化的基础就是思想基础关怀人、尊重人，以人为本的世界观。这个世界观是在14世纪通过一系列科学家、思想家和文学家重新对古代文艺的发掘而得以建立的。当时的人们从古文献中发现了对自然和人体价值的重视，使他们对人和自然作出了新的评价。实际上，文艺复兴作为欧洲历史上的一个伟大的转折点，其含义还要宽广的多。人文主义的出现肯定了人是生活的创造者或主人，他们要求文学艺术表现人的思想和感情，科学为人生谋福利，教育发展人的个性，要把思想、感情、智慧都从神权的束缚中解放出来，提倡个性自由以反对人身依附。文艺复兴时期的美术就是在这个基础上发展起来的。
2：意大利早期文艺复兴时期
在15世纪前四分之三左右的岁月中，意大利早期文艺复兴的美术家，摆脱着中世纪的规范，借助理性和科学的知识，力图在美术创作上开拓出新局面，使生动的形象和场景反映在美术作品中，让它成为一种再现性的美术。在绘画领域中，他们进行探索，尽力让二维平面具有三维空间感，并使人物活动立体化，从而实现古希腊人追求过的那种错觉性效果，让人们把美术品当成真实生活的写照，当成可感、可融、可知的事物。这种实践，从佛罗伦萨开始，渐渐在意大利各地展开。体现着新的精神，适应了时代的要求，为盛期文艺复兴的到来，铺平了道路。
（1） 佛罗伦萨早期文艺复兴美术
通过以下的代表人物及作品可以看到佛罗伦萨早期文艺复兴美术的特点：
A：吉贝尔蒂
吉贝尔蒂(Lorenzo Ghiberti，1378--1455)，是一位体现了从哥特式美术向文艺复兴美术过渡的人物。他具有较为广泛的才能，创作活动涉及不同领域，但最大的成就，还是在雕塑领域。 代表作品有《天堂之门》(1424--1452)是为佛罗伦萨洗礼堂大门完成的青铜浮雕。借鉴绘画手法，利用高低不同的凸起，细腻地塑造着一个个人物的形体和面目;利用透视手段来再现人物的位置、空间环境的深度。在人物动作和衣纹的处理上，仍然保留了一些国际哥特式的优美风格。
B：布鲁涅列斯齐
布鲁涅列斯齐(Fillippo Brunelleschi,1377--1446)在开创新道路、新风格方面，做出了更大贡献。他是位多才多艺的人物，最初他从事雕塑和金银工艺制品的创作，是文艺复兴建筑艺术的伟大代表之一。他创造性地把古罗马建筑形式与哥特式结构融汇在一起。架在鼓形座上的教堂窜窿清晰地突出在空中，庄重、轻快、优美，具有强烈的视觉感染力。布鲁涅列斯齐希望使建筑设计建立在数学这门科学的基础上，把比例和谐视为古典建筑的本质。他利用古典建筑语汇获得了明快、单纯、优美、和谐的效果，使建筑具有一种理性的美。他对绘画发展做出了不可估量的贡献。他在线透视方面的研究成果，给新的绘画创作提供了科学依据。借助线透视制造真实空间的错觉，是意大利文艺复兴画家的重大抱负和杰出成就。
C：多纳泰罗
多纳泰罗(Donatello,1386--1466)是意大利早期文艺复兴第一代美术家，也是15世纪最杰出的雕塑家，对古典美术的推崇和借鉴，可以说是文艺复兴意大利美术家的共同特点。多纳泰罗在其一生中，创作了大量生气盎然、庄重从容的雕塑作品。 代表作品： 《大卫》(约1430--1432)是第一件复兴了古代裸体雕像传统的作品。多纳泰罗运用古希腊人创立的对应构图方式，向人们展现一位形体比例和结构都十分准确的少年形象。这位圣经人物不再是概念性的象征，而是一个活灵活现、有血有肉的生命。 《圣乔治像》(1415--1417) 《加塔梅拉达骑马像》(1445-1450)
D: 马萨乔
马萨乔(Masaccio,1401--1428?)在文艺复兴绘画发展历程中却是一位影响重大的关键人物。在他的创作中，彻底摆脱了晚期哥特式绘画的优雅风格和装饰意味，把塑造真实形象和真实空间摆在了首位。
代表作品：《纳税金》(1425--1428)是一幅描绘宗教主题的大型壁画（当时壁画在意大利是十分流行的绘画样式）。不同人物、不同场景，都显得十分真实，富于体积感。人物各自的神态和动作都是从表现他们之间的不同关系和心理状态出发来刻画的。在那些合乎线透视法则的建筑和自然环境中，人物位于各自的位置上，就像生活的真实场面一样。这儿丝毫没有那种强调画面装饰性的安排、追求优美的线条和色彩的国际哥特式绘画的影子，饱满的人物形体也许有点儿笨拙，但却非常实在，直线性的造型节律，加强着壁画的纪念性。真实而有气势，正是马萨乔艺术的特色。
E：阿尔伯蒂
著名的人文主义者阿尔伯蒂(Leon Battista Alberti,1404--1472)学识渊博，是个典型的全才，他非常重视数学这门科学对美术的作用。关心理论问题，不把美术视为纯粹的技艺，而是把它当成智慧的体现，这种态度是文艺复兴时期美术家的普遍态度，他写下了有关绘画、雕塑、建筑的著作，发表于1485年的《建筑十书》对文艺复兴建筑发展产生过相当大的影响。 对方与圆等几何形的偏爱，可以说是这个时代和他本人艺术的特点。
（2） 意大利其它地区早期文艺复兴美术
佛罗伦萨在新的美术发展中发挥着无可否认的重要作用，但在意大利中部和北部的另一些城市中，也涌现出一些杰出的美术家，他们也在扩大新美术的成就和影响方面做出了不小贡献。
A：弗兰切斯卡
弗兰切斯卡(Piero della Francesca，1416?--1492)，是在意大利中部城市从事创作活动的最著名人物。这位富于探究精神的画家也非常重视透视，把它看成是绘画的基础，曾撰写《论绘画中的透视》(1482)。在他一系列的宗教画上，几何形式的人物静静地呆在严格合乎透视法则的建筑和自然环境中，明丽的色彩创造出一种光的氛围，具有庄严静穆的感觉。
代表作品：壁画《真十字架的传说》(1452--1464)和《鞭打基督》(约1456--57)。
B：乔凡尼·贝利尼
乔凡尼·贝利尼(Giovanni Bellini，约1429--1516)是威尼斯15世纪最杰出的画家。在美术史上享有盛名的威尼斯画派，可以说是由他开始的。与强调用线造型和注重构图经营的佛罗伦萨画家不同，也与曼特尼亚不同，乔凡尼·贝利尼是位擅长运用色彩的画家。
代表作品：《心醉神迷的圣芳济各》(约1485)风景占据了绝大部分画面，一切都沫浴在阳光中，美妙的色彩似乎闪动着光泽。借助自然景色来渣染气氛，这种作法后来成为威尼斯画家的基本特色之一。
C：梅西纳
梅西纳(AntoneUo da Messina，约1430--1479)。在肖像画上有着不小的贡献，早期文艺复兴肖像画往往被处理成全侧面的，而他则把表现对象改成侧四分之三的样子，使画中的人物注视着观众，这种更自然、更亲切的方式，成为后来最流行的肖像画模式。梅西纳的作品，笔法柔和，色彩明快，情调宁静。
代表作品：《圣赛巴斯蒂安的殉难》(约1475--1477)。
3：意大利盛期文艺复兴美术
16世纪头25年的意大利，是一个政局紧张、战事几乎连绵不断的时期。正是在这极其动乱的阶段里，盛期文艺复兴艺术形成了。这是一种明朗而又高尚观念的、伟大而又有克制力的艺术，总而言之，就是古典式平衡的艺术。文艺复兴三杰--著名的艺术家达·芬奇(1452--1519年)，米开朗琪罗(1475--1564年)和拉斐尔(1483--1520年)出现了，标志着意大利文艺复兴美术达到光辉灿烂的鼎盛时期。他们每一位都是突出的个人主义者，尽管互相之间产生灵感碰撞的火花，却从未形成一个团体。他们三位都达到了超凡的技巧造诣和完美的心灵、眼与手的配合。不太费力地解决了早期艺术家们为难的问题。他们作品的艺术形式总是美妙地昭示出理智性的内容。 在文艺复兴盛期，以达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔为代表的一批美术家，迸一步完善了15世纪意大利人的探索，使理性与情感、现实与理想在美术品中获得了完美统一，使形与空间的关系获得了高度和谐，从而为再现性的美术确立了一种经典样式，给后世提供了效法的最佳范例。在以后西方美术的发展历程中，无时不感到它的强大影响力。推崇也好，否定也好，都是因为意识到它的存在。通过这些美术家的介绍和作品，您可以看到意大利盛期文艺复兴美术的状况。
（l）：达·芬奇
达·芬奇(Leonardo da Vinci,1452--1519)出生在芬奇镇，或许人类有史以来，还不曾有过达·芬奇这样全面发展的人。他涉猎的领域之广、取得的成就之大，真是令人难以置信。美术只不过是他渴求理解世界的方式之一，并没有占据他的全部时间和精力，但他在这一领域内却获得了惊人成就。把自然科学知识引人美术，是15世纪意大利人的重大贡献，达·芬奇继承了这种传统并大大完善了它。
代表作品：著名的《最后的晚餐》(约1495--1498) 完美的构图、和谐的形与空间、丰富的心理刻划、深刻的人性，昭示着古典美。《蒙娜·丽莎》(约1503--1506) 达·芬奇历时数年绘制的这幅半身像，他把这位商人妻子处理成两手自然交搭，身躯和头部不同程度侧转的方式，既克服了单调又显得从容。蒙娜·丽莎富于实体感的血肉之躯及神秘的微笑，与宛如中国山水一般的淡远背景结合在一起，给人留下无限遐想的余地，使后人可以进行不同的阐释。这种像现实生活一样复杂丰富、让人一言难尽的感觉，恰是最伟大的文艺作品特有的品质，为后人确立了一种半身肖像画模式。
（2）：米开朗琪罗
西方最伟大的雕刻家米开朗琪罗(Michelangelo Buonarroti,1475--1564)。在致力于领悟古人成就时，也致力于解剖人体，研究人体的结构和运动，这使他成为量充分发挥人体．表现力的美术家之一。不同于充满深遂智慧之美的达·芬奇的艺术，米开朗琪罗的作品以力量和气势见长，具有一种雄浑壮伟的英雄精神。或许，他是一位最接近贝多芬境界的美术家。在他的雕塑上，在他的绘画中，一个个巨人般的宏伟形象挺立起来，就连他塑造的女性形象，也都具有刚勇的气概，仿佛是神话中的阿玛宗女子。
代表作品：雕像《大卫》(1501--1504)，是美术史中最为人们熟悉的不朽杰作，也是最鲜明展示盛期文艺复兴意大利美术特点的作品。在用一块久被弃置的名贵石材雕刻大卫形象时，他真正实现了把生命从石头中释放出来的理想，以精湛的技巧、强烈的信心，雕凿出这尊完美的英雄巨像。
(3)：拉斐尔
拉斐尔(Raphael Sanzio,1483--1520)，作品一直被人们视为古典美术精神最完美的体现。安格尔称他是绘画之神。拉斐尔是西方美术史上最擅长塑造圣母形象的大师。他那一系列圣母像，把感性美与精神美和谐无间地统一起来，从而传达出人类的美好愿望和永恒感情。平易近人、亲切自然是拉斐尔作品的最大特色。在他笔下，深刻的知识和精心的推敲全溶在用流利线条构成的轻松自如的艺术世界中，一切都仿佛是天性的自然流露，是一派天籁之声。纯真优美、庄重自然、明快清晰、和谐简洁，这些古典美术最推重的品质，在拉斐尔身上获得了最鲜明的体现。因而，那些推崇古典风尚的美术家，都把他当成理想的楷模，恰如雷诺兹说的:他本人成为所有后代画家的样板。
代表作品：《美丽的女园丁》(约1606)，拉斐尔以圆润流畅的线条把圣母、耶稣和圣约翰的优美形象和谐地组合起来，创造出充满人间气息的、亲切的神的世界。这一世界远离了中世纪的精神，它那纯洁、明朗、单纯、自然的情韵更接近希腊的精神。
(4) :提香和威尼斯画派的杰出代表
在意大利文艺复兴美术的发展中，佛罗伦萨、罗马发挥着极为重要的作用，大部分15世纪的美术家，都是在这两座城市中活动的。其他城市如威尼斯这座意大利北方的城市，曾是东西方贸易的中心，它的共和政体，它的商业气氛，使它的社会生活中洋溢着浓重的世俗色彩和欢乐情调。在这种独特的形势下，威尼斯美术也呈现出与佛罗伦萨、罗马不同的独特面貌。它的绘画，大大发挥了富于感官魅力的色彩的表现力，与重视线条和素描的佛罗伦萨、罗马绘画颇有差异。
A：提香
提香(Titian,1488/90--1576)以其漫长一生的丰富创作，成为威尼斯画坛的泰斗。他在实践中创造出了洋溢着欢乐气息、生机盎然、富丽堂皇的风格。成为与达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔一起象征盛期文艺复兴意大利美术光辉成就的主要代表人物。
代表作品 《戴荆棘冠的基督》(约1570) ，威尼斯画派画家素以擅长用色著称，构成他作品魅力的主要因素，就是色彩。这是佛罗伦萨美术家与威尼斯美术家间的差异。这种差异，往往使后代油画家能更直接地从提香等威尼斯画家作品中获得技法上的启示。油画这种能发挥光色表现力的形式，在意大利，是由提香等人完善起来的。在提香晚年的作品中，油画语言的特点得到淋漓尽致的发挥。创作时，他运用阔大奔放的笔触涂抹着不同的色彩，用它们来塑造形体、渲染气势。在这儿已没有了清晰的形与线，也没有了以往他作品中的明朗欢快气息。浑厚凝重的色彩配置，成为表现强烈悲剧情调的有力武器。在这件展示提香炉火纯青的油画技法的作品中，我们可以看到他在精神和语言方面的发展变化。
（5）其它地区的美术家
A：萨托
萨托(Andrea del Sarto,1486--1530)真实姓名安德烈亚·达格诺罗·狄·弗兰切斯柯。文艺复兴三杰离开佛罗伦萨后，萨托就成为当地最著名的画家。萨托是位精于造型和用光的画家，他的精湛技巧为他赢得了完美画家的称号。
代表作品，是祭坛画《哈匹圣母》(1517)。那庄严的古典式构图和那典雅的形象，均具有盛期文艺复兴美术的特征，然而在光线处理上却有一种不尽相同的意味。
4：样式主义美术
达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔等大师创作的一大批光辉灿烂的美术品，确立了一种完美的典范。在人们眼中，它们是最理想最完善的化身，后来的美术家面对它们不禁有面对沧海之感。意大利一些年轻美术家，受到米开朗琪罗、拉斐尔创作的鼓舞，不顾他们作品的内在精神，希图仿效和发展他们的风格;另一些更有才能和抱负的人，则致力于形式语言上有所变化、有所创新，注重在作品中显示他们自己的特点。总的看来，他们的创作背离了盛期文艺复兴美术的理想和基本原则，抛掉了它那种自然、和谐、单纯的艺术风貌。他们追求一种视觉效果独特的、形式感很强的风格。出自他们手中的作品，往往带有刻意雕琢、冷漠疏远的味道，颇具主观与幻想的色彩。但对那些口味别致的人来说，它们倒是相当有魅力的东西。这一美术现象，流行于盛期文艺复兴之后，巴洛克时代之前，史家称之为样式主义美术。国人也有据西文译成风格主义或矫饰主义美术的。佛罗伦萨是样式主义美术的发源地和最重要的中心。在萨托门下，出现了样式主义早期代表庞多尔莫和罗素。
（1）庞多尔莫
庞多尔莫(Pontormo,1494--1557)本名雅各布·卡鲁西，具有鲜明个人风格，他的作品显示出更多新因素。
代表作品 《基督下十字架》(约1526--1528)，塞满画面的人物几乎全平贴在前景上，这些色彩轻淡、线条流利的人物仿佛像云朵一样飘在没有真实空间感的虚空中。他们缺乏体积感和重量感，就像单薄的剪纸一样。整个画面洋溢着一种梦幻般的感觉，一种非现实的意味。
（2）罗素
罗素(Giovanni Battista Rosso Fiorentino，1495--1540)是位颇有才气、风格独特的画家。罗素曾应热爱意大利美术的法国国王法朗梭瓦一世邀请在法国工作，从而把样式主义留在了枫丹白露，影响着法国美术的面貌。
代表作品 《基督下十字架》(1521)，虽与庞多尔莫上述名作题材相同，但却有自身的特色。几何形十字架、梯子和有棱有角的生硬人物形象组成了一个停滞凝固的绘画世界。画面上所有人物都仿佛中了妖法一样僵立在那儿，造成一种奇特的、惊恐不安的感觉，从而强化了作品的悲剧意味。
（3）布隆基诺
佛罗伦萨画家布隆基诺(Agnolo Bronzino,1503--1572)，是样式主义全盛期的代表人物。他在庞多尔莫教导下，形成了自己的风格。他的作品，素以笔法精致、感情冷漠、色彩刺目著称。
代表作品： 《托莱多的埃莱诺拉及其子乔凡尼·德·美第奇》(约1550)，就是鲜明体现他画风的完美例证。暗蓝色背景衬托着衣饰华丽的静止人物，刻画得十分精细的贵妇人神态冷漠，就像瓷人一样，具有冷冰冰的高雅气派。
5：意大利以外地区的文艺复兴美术
欧洲的文艺复兴运动发源于意大利，在其影响之下，西欧各国也都先后萌发了文艺复兴。由于地理、历史、民俗传统等诸因素的差异，这些国家的美术受中世纪哥特式艺术传统的熏陶，宗教气息十分浓厚。文艺复兴精神在这里更多地体现为对世俗风情的描绘。与同一时期的意大利相比，它们的美术作品虽然缺少意大利文艺复兴美术所特有的那种磅礴的气势，但尼德兰、德国、法国、西班牙等部为欧洲文艺复兴美术的发展作出了各自的贡献。
（1）尼德兰文艺复兴美术
尼德兰一词意为低凹的土地，它所指的地区，大体包括现今的荷兰、比利时、卢森堡和法国东北部。 尼德兰的美术活动最初与法国有着密切的联系。14世纪时有许多尼德兰美术家受雇于法国宫廷，他们除了将尼德兰的美术风格带到法兰西外，同时也接受流行于法国的意大利美术风格的影响。百年战争(1337--1453)之后，勃良第首府迁入佛兰德斯境内，尼德兰文艺复兴美术开始在改造和发展晚期哥特式艺术的过程中发展起来。 佛兰德斯是14世纪尼德兰美术家主要的活动区域。在那里他们曾用绘画、雕刻来装饰教堂、宫廷和市政建筑，但这些作品大多遭到破坏，遗存极少。14世纪末，尼德兰出现了著名的雕刻家斯吕特(Claus Sluter，约135/1360--1405)。有关他的生平和早期的美术活动已无从考查，然而他为第戎修道院所作的精美雕刻《摩西井》，以出色的写实技巧一直为后世所称道。《摩西井》作于1395--1403年间，原是一个巨大的十字架的基座，呈六边形，每边装饰有比真人还大的先知雕像。其中有手执诫律的摩西，魁伟庄严的大卫以及秃顶的以赛亚等人。这些人物雕像个性鲜明，艺术手法简洁写实。饱满健壮的形体，流畅飘逸的线条，使其成为尼德兰雕刻艺术中的上乘之作，并给绘画艺术以有力的影响。 尼德兰文艺复兴美术最初的奠基人是凡·埃克兄弟。他们绘制的《根特祭坛画》(1415--1433)是尼德兰早期文艺复兴美术中著名的杰作。
（2）德国文艺复兴美术
德国文艺复兴美术发端于15世纪，滞后于同时期的意大利与尼德兰美术。这主要是因为德国当时依然处于封建割据状态，微弱的王权不能给这些极分散的城市以有力的保护，哥特式美术依然占居主要地位。1420年至1540年间，德国出现了文艺复兴，一些经济发达的城市成为诸地方美术流派的中心。 德国文艺复兴初期的绘画与雕刻受晚期哥特式美术中某些因素的影响，宗教祭坛画较为发达。画在木板上的单幅或多联的祭坛画被安置在肃穆的教堂中，以增加庄严的气氛。15世纪中叶开始，德国美术家表现出对人的生活环境的关注，喜欢描绘自然环境，人物造型则强调真实感。画家维茨(KonradWitz，约1414--1446)即是这方面的代表。他的《基督踏海》(又名《捕鱼的奇迹》)描绘了博登湖的真实景色，虽为传统的宗教题材，画面却十分生动自然。这时期有名的美术家还有施恩告尔(Martin Schongauer,1445/1450--1491)等，他们可称为德国文艺复兴美术的先驱者。 德国文艺复兴美术应该说以版画成就最为突出，对整个欧洲的美术都产生过积极的影响。在早期名画家中，施恩告尔的铜版画居于领导潮流的地位。他的后继者，德国文艺复兴大师丢勒则使铜版画得到进一步的发展和完善。 德国文艺复兴第二代最杰出的画家是小荷尔拜因(HansHolbein the Younger,约1497--1543)。他早年随父学艺，与人文主义学者有着广泛的交往。荷尔拜因的艺术风格以冷静、客观著称，他大量的肖像画，准确地记录了16世纪各种人物的外貌及心理特征。现藏罗浮宫的《伊拉斯漠像》(约1523)是他的肖像画精品。作者精心处理画面的明暗关系，着力描绘画中人物的面部、双手与文稿，一位容智的人文主义学者的风采显露无遗。荷尔拜因的素描作品也极为出色，线条简约完美，虽然几乎不涂明暗，但却能充分表现体积和质感。1532年以后画家定居伦敦，成为英国国王亨利八世的宫廷画家，为英国绘画的发展作出了贡献。
（3）法国文艺复兴美术
百年战争以后，法国收复了被英国占据的领土，形成了统一的局面，为民族文化的发展创造了条件。 卢瓦尔河谷地是法国宫廷建筑的诞生地。法王查理八世、路易十二和法朗索瓦一世等都曾在那里兴建了大量的贵族府邸、猎场。其中著名的有舍农索府、尚博尔宫等。这些豪华建筑是新的风格和古老的传统相结合的产物。 自从16世纪30年代开始，意大利艺术家来到法国参加枫丹白露的建筑工程，使得法国文艺复兴建筑进入了新的发展阶段。1530年，意大利样式主义画家罗素来到枫丹白露从事装饰工作。罗索为了适应法国宫廷趣味，画风有所变化，人体除了仍被拉长外，画面显得格外精致优美。当地的雕刻家和画家在他及其它意大利样式主义画家的领导下进行枫丹白露宫的装饰，逐渐形成了枫丹白露派。这个流派创造了灰泥高浮雕与绘画相结合的新的装饰效果，追求优雅、抚媚。以著名的法朗索瓦一世长廊为例，绘画周围的高浮雕人物仿佛要从墙壁上跳出来。另外，缠绕在画框边上的如皮革般卷曲折叠的装饰母题也是由他们始创的，后来在整个欧洲都十分流行。 法国文艺复兴绘画及雕刻则起步较晚。15世纪驰名法国的大画家是富凯(Jean Fouquet，约1420--1477)，他是法国早期绘画的骄傲，后来的法国艺术的发展颇具影响。富凯在艺术上是一位多面手，他留下的作品有油画、细密面、珐琅制品和一些素描。墨伦双联面中的《圣母子》(约1450)是他的重要作品。 16世纪的法国肖像画占有突出的地位，有名的画家是克卢埃父子。让·克卢埃(Jean Clouet，约1485/90--约1540/41)是法朗索瓦一世的宫廷画师和侍臣，他描绘了不少当时的显贵名流。《法朗索瓦一世像》(约1525--30)是他的成功之作。他的儿子法朗索瓦·克卢埃(Frangois CloueL约1510--1572)也是一位颇受宫廷欢迎的肖像画家，《奥地利的伊莉沙白像》(1571)是他最优秀的一件作品。从克卢埃父子的作品中可以看出他们娴熟的绘画技法和善于捕捉人物神态、善于表现个性的能力，这也是法国肖像画家的长处。 雕刻方面的主要代表是古戎和皮隆(GermainPilon，约1525--1590)。古戎的杰作足他为巴黎贞洁泉所作的六块浮雕《山林水泽女神》(1549)。作品取材干古希腊神话故事，古戎以精湛的技巧刻划了女神们的轻盈的姿态。人物造型充满活力，虽然构图的空间狭小，但无任何局促之感。雕刻家对衣纹的处理十分自然流畅，将女性的韵味展现得无比完美，整个浮雕洋溢着清新的古典气息。
（4）西班牙文艺复兴美术
西班牙文艺复兴美术最早出现在加泰罗尼亚和巴伦西亚。15世纪，这两个地区资本主义萌芽较早出现，在艺术上与意大利、尼德兰交流密切。但真正代表西班牙文艺复兴美术最高峰的是16世纪下半叶著名画家埃尔·格列柯(El Greco，1541--1614)。有名的如《圣家族》、《基督诞生》等。 格列何是一位有争议的画家，他以色彩和光线为主要表现手段，拉长的人物体态带有神经质的不安情绪，反映了没落贵族的忧郁的心灵。他的伟大之处还在于揭示了社会的矛盾，以哲学家一般犀利眼光洞察到了西班牙的危机。格列柯的艺术很长时期以来未被美术史家们肯定，直到本世纪初，人们又重新开始研究这位大师，日益发现他那独特画风的动人魅力，把他视为样式主义的最伟大代表。

⑷ 故宫导游解说词

故宫位于北京市中心，旧称紫禁城。是明、清两代的皇宫，无与伦比的古代建筑杰作，世界现存最大、最完整的古建筑群。

被誉为世界五大宫之首（北京故宫、法国凡尔赛宫、英国白金汉宫、美国白宫、俄罗斯克里姆林宫）。

宫城周围环绕着高12米，长3400米的宫墙，形式为一长方形城池，墙外有52米宽的护城河环绕，形成一个森严壁垒的城堡。

故宫宫殿建筑均是木结构、黄琉璃瓦顶、青白石底座，饰以金碧辉煌的彩画。故宫有4个门，正门名午门，东门名东华门，西门名西华门，北门名神武门。

1949年中华人民共和国成立后，1961年，国务院宣布故宫为第一批“全国重点文物保护单位”。从五六十年代起进行了大规模的修整。

⑸ 汉穆拉比浮雕所表达的政治观念

第一部律法，当然就是法的思想
石雕，约公元前1792年－1750年，高约71厘米，石碑全长213厘米，现收藏于巴黎卢浮宫。公元前1894年开始，西亚的古巴比伦王国日趋繁盛，到第六代帝王汉谟拉比统治时期，已占有了两河流域的整个中下游地区，强盛的国势一直保持到约公元前1600年。汉谟拉比是古巴比伦是一位具有军事天才和卓越治国才能的君主，而且他还制订了一种“公平的法律”，并推广到全国各地，“汉谟拉比法典”就是当时刻写这个“法律”的石碑。

⑹ 沈阳故宫里有一个殿上写着“紫气东来”。它是怎么由来的是什么意思

“紫气东来”匾是由清高宗乾隆皇帝亲笔御题。此匾由清宫内务府制造，乾隆二十二年（1757）由京师送至盛京，一直悬挂于凤凰楼下，成为盛京地区著名的历史文化景观。

“紫气东来”就是紫气自东而来，比喻祥瑞降临。

与一个典故有关，传说老子出函谷关，有紫气从东至，被守关人看见，未久，老子骑着青牛而来，守关人便知道这是圣人。守关人请老子写下了著名的《道德经》，因此紫气便被认为具有吉祥含义，预示着圣贤和宝物出现。

从这以后古人就把祥瑞之气称为紫云，传说中的仙人居住的地方称为紫海，将神仙称为紫泉，把城郊外的小路称为紫陌。

该匾为木雕髹漆、镶铜字制成，匾外框浮雕云龙图案，九龙之首采用圆雕工艺，生动灵活；匾面刷洋蓝，其上镶铜板制成的大字：“紫气东来”，文字中央上部镶朱文篆书“乾隆御笔之宝”印玺。

(6)道德经浮雕扩展阅读

沈阳故宫位于辽宁省沈阳市中心，是中国仅存的两大宫殿建筑群之一，又称盛京皇宫，为清朝初期的皇宫。沈阳故宫始建于努尔哈赤时期的1625年，建成于皇太极时期的1636年。

清朝迁都北京后，故宫被称作“陪都宫殿”、“留都宫殿”，后来就称之为沈阳故宫。后经康熙、乾隆时期的改建、增建，形成了今日有宫殿亭台楼阁斋堂等建筑100余座、500余间，占地面积达6万平方米的格局面貌。

沈阳故宫按照建筑布局和建造先后，可以分为3个部分：东路、中路和西路。

东路包括努尔哈赤时期建造的大政殿与十王亭，是皇帝举行大典和八旗大臣办公的地方。中路为清太宗时期续建，是皇帝进行政治活动和后妃居住的场所。西路则是清朝皇帝“东巡”盛京时，读书看戏和存放《四库全书》的场所。

清代皇宫外国礼品展沈阳故宫收藏和陈列的明清历史文物、艺术珍品及工艺美术品中，有许多中西文化交流工艺品，如钟表、玻璃器可谓独具特色。

自十七世纪以来，西方一些国家把大量的钟表、玻璃器输往广州、由广东海关购置贡进皇宫，海外各国使者也竞相以本国精致的钟表、玻璃器作为贵重礼品赠给大清王朝，用这些巧于构思，精心制作的钟表、玻璃器精美艺术品取悦于皇帝，不仅是帝后怡情赏玩之物，也是宫殿里不可少的一种装饰品。

这些技艺精湛的工艺品，充分显示了外国匠师们的创造智慧与艺术才能，同时也是17、18世纪，中西方文化交流，贸易往来的历史见证。

⑺ 浮雕式具象的名词解释 谢谢

纵观世界范围的人类艺术史，在西方文明实行大规模扩张之前，包括亚洲、非洲、澳洲、拉丁美洲在内的各地域各民族的本土艺术创造，早已形成体现自身文化精神和社会生活需要的艺术传统或艺术体系。它们以不可磨灭的文化特性和美学特征，提示了一种不同于西方话语却与非西方民族的社会生活休戚相关的艺术概念。像许多非西方艺术实践皆有体现的那样，这种艺术概念并不以可以独立看待和单纯把握的艺术性为艺术的本位价值，它强调艺术对社会生活的全面参与、全面融入、全面承诺或全面体现，承担社会生活所期望、所需要、所赋予的且又非其不能的价值担待。与其说这样的艺术不存在本位价值，不如说它的本位价值所执不以西方话语的艺术性、而以本土话语的艺术性为据。

这是一种源自西方文明传统之外的所有其他地域和民族的文明传统、覆盖广泛、成分复杂、形态多样的浮雕风格类型。其一般特点是，在遵循人类欣赏习惯、保持艺术表现可以辨识的具象特征基础上，更加强调浮雕空间结构或视觉形象的象征性、寓意性以及种种非单纯审美的复杂社会功能，因此它的风格形式与欧洲古典雕塑传统相去甚远。

在遭遇西方文明的分裂力量并受其破坏之前，非西方民族的浮雕艺术始终保持着自身的文化特性。尽管各民族信仰和文化并不统—，但如同中国人、印度人、印尼人、澳洲土人、玛雅人以及包括巴拉人、多贡人、塞努福人、巴加人、巴库巴人、区卢巴人等在内的热带非洲土人所创造的浮雕艺术所显示的，诸多非西方文明的艺术传统经受了巨大时空跨度的考验，而不曾为政治演变、朝代更替或外族入侵所改变。这是文明活力的使然，是民族信仰和文化内在连续性的使然。对非西方民族而言，浮雕艺术是可以诉说一切的语言、沟通一切的途径、体现一切的载体，它被那里的人民视为与普遍灵性打交道的适当方式。

就活跃并作用于本土社会生活的非西方民族的浮雕艺术而言，其艺术性体现在一种样式、一种造型、一种结构或一种塑造方式，切实地实现了它的某种或某些价值担待。失去这一定的价值担待，或者所担待的不是社会化的价值，那么，作为艺术形式的上述任何成分，其本身则不足以自立自为，无从可言艺术性。因此，以社会价值担待为本的非西方民族的浮雕艺术，总是和本民族的政治、经济、军事、教育、宗教信仰以及伦理道德等广泛的社会实践混合交融、并作为载体或媒介在整合社群、规戒示范、鼓动生产、记述历史、交流思想、传播知识、证明身分、昭示责权、惩罚褒奖、祈禳疗治以及寄情娱乐等复杂的社会功利方面，发挥积极而特殊的作用。

大量材料表明，传统非洲艺术的创造，包括某种造型活动的开展或果种造型样式的推出，其动机总是关联着比审美要求远为宽泛、复杂的社会需要，而且这种关联往往以随俗的方式得以实现。原生形态的非西方民族的浮雕艺术，是本土社会生活的有机构成，不具有游离其外的生态独立性或价值独立性。一言以蔽，这种风格类型的浮雕艺术，是不具有独立性质也不以独立性质为终级价值追求的艺术，它拒绝任何意义上的单纯性、独立性企图。

⑻ 有知道电话联系吗学习男士发型雕刻的。

雕刻，是雕、刻、塑三种创制方法的总称。指用各种可塑材料（如石膏、树脂、粘土等）或可雕、可刻的硬质材料（如木材、石头、金属、玉块、玛瑙等），创造出具有一定空间的可视、可触的艺术形象，借以反映社会生活、表达艺术家的审美感受、审美情感、审美理想的艺术。雕、刻通过减少可雕性物质材料，塑则通过堆增可塑物质性材料来达到艺术创造的目的。
微观雕刻是一种以微小精细见长的雕刻技法总称，是雕刻技法的一门独立分支。常见的种类有微刻、微画、微画雕、核雕、骨雕和微雕等。
中国微观雕刻历史源远流长。远在殷商时期的甲骨文中，就出现微型雕刻。战国时的玺印小如累黍，印文却有朱白之分。众所周知的王叔远的《核舟记》，也是中国历史上微雕艺术的经典之作。
篆刻边款艺术是微刻艺术产生和发展的基础。明清以来，不少文人雅士在印章这方寸之中，用铁笔题书作画，寄托情趣，自娱自乐。及至寿山石成为印章材料之后，寿山石的微刻艺术便开始出现。清初杨璇、周彬都曾在寿山石雕品的花纹僻处刻以小字，“西门薄意派”雕刻大师林清卿也常在所刻作品的草丛、石缝中以极细的笔画刻上自己的姓名和制作年月，以后更有人在印章方柱的四边，以极细微的文字，雕刻古人诗词作为边款。
到了20世纪60年代，随着放大镜等先进科学仪器在微观雕刻领域的运用，微观雕刻艺术便成为一种别具一格的崭新艺术。作品中所刻的文字愈来愈小，内容也愈来愈多。
20世纪80年代，所出现的微画雕便是微观雕刻艺术发展的一个方面，如初山微画雕流派等等。微刻文字也越来越讲究书法效果，受人注目的有“怀禅八大刻”等。
一时间“精微艺术”之花如灿烂群星在中国大地到处开放。
以郭月明老师为例，四川省屏山县人。联合国教科文授予“一级民间工艺美术家”、中国国际书画艺术家协会会员、中国书法美术家艺术创作中心“终身名誉教授”，三希堂侯明明艺术馆“副馆长”，国际羲之书画院“名誉院长”，攀枝花市硬笔书法协会会长、攀枝花市硬笔书法艺术学校常务副校长、硬笔书画报常务副主编、中国诗酒联谊会诗书画院副院长。
怀禅微刻《增广贤文》12.0×3.5×3.5cm
郭月明从小喜好习书、绘画、弄琴，对传统民族文化有浓烈的兴趣。 1966 年， 20 岁的郭月明，避开尘世的喧嚣，开始沉醉于传容文化艺术之中，系统地研习书法、绘画、雕塑和篆刻技艺。他博采众家之长，兼蓄各体之韵，从而形成自己“沉着钢动，衣冠楚楚，森严之态，咄咄逼人”之风格。
1976 年，以其毛笔、钢笔临帖 10 年之功夫，转攻微书、微雕、微刻，并经 16 年探索，将中国的气功及中国绘画、书法、刻字技艺熔于一炉，将微书、微雕、微刻集于一体，独得“精微艺术”之神韵，首先在艺海中托起了“精微艺术”这朵充满新意和神秘色彩的浪花。
1987 年，他的第一件硬笔书法作品微书小扇面，入选“中国首次赴日硬笔书法作品展”，后被日本书道收藏。
1989 年，他在 2.5 厘米乘 3 厘米的纸片上，用钢笔写下 6183 个汉字，打破了在纪念邮票（ 2.8 厘米乘 3 厘米）的背面用铅笔写下 2000 多个字母，因而被称为“世界微型书法大师”的匈牙利的埃曼·拉约浦的记录。这幅作品，在十倍以上的放大镜下，字距、行距分明，字体苍劲清晰。
怀禅微刻《道德经》12.0×3.5×3.5cm
我们的老师认为：精微艺术贵在精微，也难在精微，因为它不仅术其微小，还必须在微小之中再现艺术神采、韵味。每一件精微艺术品，无不是成功于所实的基本功之上，同时，又缀满了心血和汗水。
他期望我们新一代的微观雕刻艺人能学有所成，却不奢望艺术上的投机取巧，一蹴而就；他期望我们的作品有朝一日得到社会的承认，他耻于以媚俗之作去欺世盗名。时至今日，他依然故我地在斗室中埋头磨砺，不知晨昏，也屋所谓冬夏；在精微艺术这片充满生机的田野上耕耘不止，不问收获，也屋所谓个人名利。淡泊宁静，耐得寂寞；超然物外，求索不己，这就是中国微雕艺人学艺生活的真实写照。
一般来讲，搞木雕的人，除执刀法基本相同外，都各有自己擅长的刀法，初学者只要熟悉平刀、圆刀二种不同的用途，很快就能掌握刀法技巧。先强调一下执刀姿势的重要性，其正确与否不仅影响雕刻操作的顺利进行，而且还会引起安全方面的问题。那么，在大量切削木料的粗坯阶段，我们主要是用敲锤配合刀具进行工作，执刀姿势呈握拳状，当雕刻向外推进或深挖时，可作拳心向下状；当雕刻向内推进时可作拳心向上状，当雕刻轮廓欲切断木纹丝缕时又可作拳心向内或向外状，三种方法灵活掌握。如刀具刻入过深，切勿摇动刀柄急以抽出，否则会引起锋口开裂或剥落，应使用另一刀具并轻微削去该刀具周围的木料，直至其可摇动为止。在雕刻进行到细坯和修光阶段，我们主要运用刀具从事刻削工作，一种是双手握捏刀具，如：右手握紧刀柄上端，左手捏住刀杆上部，慢慢向右手方向推进。另一种是右手执刀呈握笔状，但要将无名指和小指紧抵在雕刻物上向前运刀，以控制尖刀。要注意左手的位置，做小件圆雕时，握住作品的左手应放在右手的后下方，作品一端可顶靠在工作台上；做浮雕时，为了按住木板，左手应远离右手的刀具，或者放在右手的后方。温州那边的黄杨木雕，因木质坚硬，人们时常要用肩胛来抵住刀柄向前运刀。对付木质细软的，可用右手掌心轻拍刀具即足以削去少量木料。
平刀块面法：主要是在凿坯时用平刀大块面的切削出作品的轮廓和结构部分，使其产生粗犷有力的斧劈刀削感，所以运刀必须稳、准、狠，要肯定有力、刀刀相符、爽气不腻，要使每一刀都说明问题并达到作品的最后效果。平刀块面法的运用过程实际上也是用简单抽象的几何形体概括各种复杂形体的造型过程，这个过程可以将每一个形体、每一块骨路，肌肉减化成大大小小的正方形、长方形、梯形、菱形。因此，要求作者有扎实的造型基本功和慨括自然形体的能力。平刀块面法可以结合一些圆刀贯穿于雕刻的全部过程以形成最后的艺术效果，也可以只运用在雕刻的初级阶段作大形处理，然后再用其它刀法做由方到圆的更丰富细腻的刻画。
圆刀雕琢法与排列法：由于圆刀刀法不肯定，刻出的形体轮廓比较含糊，产生的凹凸感又比较清晰，所以很适合探索表现各种物体的质感和肌理效果，作为浮雕的底面处理，俗称“麻底子”，也是一种极好的起衬托作用的表现手法。
圆刀雕琢法是以大大小小不规则的凹凸形成体积，并在表面造成自然、浑厚、拙朴的美感。倘若与平刀结合起来，一方面是光滑细腻，如人的皮肤；一方面是粗糙毛涩，如人的发鬓、衣饰等，那么两者会形成强烈的质感对比，使作品产生丰富有趣的表现力。圆刀排列法与雕琢法的意义相同，只是作者要有意识的排列刀法，使其产生一定的装饰性和肌理效果。

⑼ 天地之中建筑群及佛道儒一处体现了中华文化的什么特点

①2010年，“嵩山历史建筑群” 以“登封‘天地之中’历史建筑群”的名字成功入选“世界遗产名录”。“天地之中”的概念体现了以“中”为尊的宇宙观，浓缩了嵩山的文武、天地、三教之交融的文明内涵，它是 中国古代政治之成熟、科技之进步、文化之多元的绝佳体现。


②嵩山的核心是少林寺、中岳庙，而要真正理解“天地之中”，游览之路必须从登封市东南方向的告成镇开始。这里坐落着唐代仿照旧制建立的“周公测景台”以及元代观星台。根据古代的政治统治传统，国之中央对一个政权的合法性具有重要意义。所以，周朝建立后，不仅迁都更靠近“中”的洛阳，还要“求地中”。当时人们认为，太阳在夏至正午时的影子为一尺五寸之地便为地中，周公便在洛阳周边寻找这样的地方，在告成镇（当时名为阳城）建立测景台。测景台以圭表为主要结构，台座为“圭”，台柱为“表”，表高合当时的八尺，表北端距圭的北边缘为一尺五。果然，在夏至正午之时，影长准确定格在一尺五寸。这里便是“地中”了。

③如果说周公测地中是政治使然，那么元朝郭守敬在此建立的观星台，则体现了古代科技进步的杰出成就。位于测景台北侧的'观星台是一个放大版的圭表，整体建筑由青砖石构造，覆斗式的台身相当于一个巨大的表，而台下类似长堤的构造则为伸长的圭。圭表的扩大极大地增加了观测的准确度，根据这样的设计，郭守敬取得了精准的测量结果，并以此撰写出举世闻名的《授时历》。郭守敬测定的一个回归年与今天现代科学测定的一个回归年只相差26秒，比起世界通用的格里高利历，早了300多年。

④位于天地中的观星台，像一个巨大的磁铁一样，将散落在嵩山脚下的各类古代建筑集中起来。据登封当地的文物工作者介绍，在概念上“天地之中”与“中岳”嵩山有先后之分，先有天地之中，后有中岳嵩山。按此逻辑，中岳山麓的诸多建筑，也都因此具有了“中”的含义，蕴藏着极强的创造力如传承性。其中能够配得上世界遗产封号的，有8处11项，都是建筑上的独一无二之作。

⑤除了观星台之外，最让人震撼的是嵩岳寺塔和少林寺塔林。嵩岳寺塔建于北魏年间，既是我国现存最古老的砖塔，也是世间罕见的正十二边形密檐式砖塔。塔的细部雕饰既有印度式样的门相，又在整体上具有中国式重楼的构造特征，体现了佛教在进入中国早期之时的意象与影响。与嵩岳寺塔相呼应，少林寺的塔林以墓塔的多样性而闻名于世。这里汇聚了自唐代 以来的历代佛教僧众生前身后的成就与影响。塔林里既包含 少林寺历代高僧之墓塔，也有集体供奉过世僧众的普通塔。共计230多座，是我国现存最大的一个古塔建筑群，精尖的浮雕、书法比比皆是，是一座不可多得的艺术记录宝库。

⑽ 语文 高手快来 帮帮忙

1.结构上总结全文 内容上突出了闻一多先生言出必行的优良品质
2.1）第一个说是告诉别人自己要说的事 第二个是夸耀
2）夸耀
3）发动人民反抗独裁